La evolucion de las técnicas modernas de exposición

La evolucion de las tecnicas modernas de exposicion

Las tecnicas modernas de exposicion estan muy influidas por los movimientos de arte y diseno de principios del siglo xx, sobre todo por el arte abstracto y los principios propugnados por artistas y disenadores de vanguardia, muchos de los cuales estudiaron y ensenaron en la Bauhaus de Alemania entre 1919 y 1937. Estos principios llevaron a un replanteamiento radical de los elementos del diseno; paredes y suelos fueron considerados como pianos, elementos de una escultura abstracta. Los arquitectos y diseñadores modernos reinterpretaron los edificios de nuevas maneras, empleando las "relaciones espaciales" y los "volumenes" para influir en los entornos de exposicion. Estos entornos fueron concebidos de muchas formas distintas por surrealistas, futuristas y constructivistas. Paralelamente, artistas como Duchamp lideraron el arte de la instalacion, en el que el envoltorio de la galena, hasta entonces tratado como una cascara vacia en la que se colocaba la muestra, se transformo en otro elemento mas del arte.

Los nuevos enfoques del diseno pusieron enfasis en combinar funcionalidad y estetica. En 1924 Frederick Kiesler, influido por la Bauhaus, diseho un sistema autonomo y desmontable, el L&T, con el estilo geometrico distintivo del movimiento Moderno, que empleo para mostrar cuadros en Konzerthaus de Viena. Este sistema, antecesor de los modernos expositores desplegables, era modular y permitia la muestra combinada de objetos e imagenes; tambien era adaptable, y el espectador podia ajustar las imágenes y los objetos a las altura de sus ojos.

De las tendencias en la realizacion de exposiciones que surgieron del movimiento Moderno, probablemente la mas influyente sea el entorno despejado y minimalista, con paredes blancas, desarrollado en el Museum of Modern Art (MoMA) de NuevaYork. Inspirado en los principles Bauhaus, este estilo aséptico, ahora omnipresente, fue desarrollado a traves de una serie de exposiciones experimentales a partir de mediados.de los anos treinta, hasta principios de los cuarenta, cuando las reacciones ante el arte moderno eran aun muy desiguales. Las exposiciones presentaban al publico de EE UU paredes de superficies lisas y muestras ordenadas de manera cuidadosa aunque parca, y eran consideradas provocadoras. La Machine Art (1934) de Philip Johnson expuso productos industriales como si fueran obras de arte. Pese a lo que algunos esperaban, la exposición resulto ser muy popular, y la polémica idea de que la muestra de productos industriales podia recibir la reverencia normalmente otorgada al arte fue plenamente aceptada como una premisa razonable por el publico visitante. El estilo parco, despejado, inspirado en las lineas suaves de los barcos modernos y la esbeltez funcional de los aviones, se adecuaba a las exposiciones y merecio el aprecio por el nuevo Museum of Modern Art por parte de los mecenas contemporaneos.

Otras exposiciones del MoMA, como la "Road to Victory" ("Camino a la Victoria") de Herbert Bayer, partieron de otra tendencia de la Bauhaus: el entorno, una experiencia global que envolvía los sentidos de los participantes e integraba muchas disciplinas creativas para lograr un efecto total. La exposición, celebrada durante la Segunda Guerra Mundial, fue concebida -como un solo camino, un pasaje hacia la victoria en eJ que los visitantes, caminaban junto a inspiradoras imágenes, de tamano natural, que mostraban a estadounidenses contribuyendo al esfuerzo de la guerra. La historia narrada por las imageries aspiraba a crear el máximo efecto psicologico e impacto emocional. De manera simbolica, el camino ascendia algunos metros a lo largo de su trayecto y terminaba en la victoria, reflejado en un mural de soldados al que se superponian fotografias de madres y padres en casa. MaryAnne Staniszewski, autora de The Power of Display ("El poder de la exposicion"), crónica de las exposiciones del MoMA, senala: "El mensaje era el de una victoria predestinadayun future cierto; en otras palabras, un pacto idealista y determinista con el pasado y el futuro, manifestado en cada clavo, madero, pie de foto y fotografia de la instalacion." El exito de "Road to Victory" también mostraba como la fotografia, cada vez mas empleada en publicidad, podia ser una herramienta de gran poder emotivo. Bayer, que quiza estaria familiarizado con las exposiciones de los constructivistas en apoyo del comunismo soviético y con las de los futuristas italianos en pro del fascismo, empleo muchas de las técnicas usadas por estos, aunque con fines muy diferentes.

Quiza el legado mas importante de las exposiciones del MoMA fuera también el mas simple: Alfred Barr, fundador y director del museo, fue pionero en las exposiciones de cuadros colgados con amplios espacios vacios entre ellos.  La practica anterior de poner los cuadros unos encima de otros fue eliminada, y se opto por un color neutro para las paredes, primero beige y despues blanco. Barr trataba del mismo modo todas las exposiciones: una muestra de Van Gogh de 1935 recibio un tratamiento similar, a grandes rasgos, a la exposicion "Italian Masters" de 1940. Su metodo excluia el empleo de detalles, color o letreros alusivos al contexto o periodo en que las obras de arte habian sido creadas. Se estimulaba a los visitantes a ignorar el contexto social e historico del artista y a considerar el arte como un objeto autonomo. Este estilo, ahora visible en todas partes, era innovador y condujo al publico a mirar el arte de una forma nueva.

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HISTORIA DEL DISEÑO DE EXPOSICIONES

HISTORIA DEL DISEÑO DE EXPOSICIONES

Exponer es una tendencia innata del ser humano, que practicamos en la vida diaria. En la mayona de las casas hay muestras informales de objetos e imagenes atesorados, organizados segun las preferencias personales y destinados a reflejar a sus propietarios ante los demas. Del mismo modo, los comerciantes saben exponer sus mercancias, como y donde colocar los productos para atraer a los clientes y crear un entorno simpatico. En un ambito superior, los edificios religiosos, como las iglesias, mezquitas y templos son ejemplos de empleo habil de las tecnicas de exposicion. Muchos de ellos usan su arquitectura para elevar objetos iconicos, para incitar a la reverencia, para concentrar la atencion en un solo objeto o lugar sagrado ("el altar") y para despertar los sentidos (olores, musica, estimulos visuales y tactiles), promoviendo la contemplacion espiritual por medios muy semejantes a los
que emptean los modernos disenadores de exposiciones para producir otros estados de atencion aumentada. De hecho, muchos museos y espacios de exposiciones tienen algo de la atmosfera de un tempio, al que a menudo se parecen fisicamente (pensemos en los grandes edificios del siglo xix, con estilo de templos griegos o romanos).

Los museos y las galenas de arte proceden basicamente de las colecciones de ricos propietarios, cuyas curiosidades y piezas de arte eran normalmente expuestos solo para otras familias acaudaladas. A finales del siglo xviu algunas de estas colecciones fueron reunidas y organizadas para su exposicion publica. En muchos lugares -Florencia por ejempio- grandes obras de arte encargadas por patrones como la familia Medici simplemente se ubicaban en palacios
ampliados o adaptados con el proposito de exhibirlas. En Nueva York y
Washington, la mayona de las colecciones eran importadas, y su interes residia no solo en sus meritos artisticos sino tambien en la vision que ofrecfan de las cosas foraneas. Muy a menudo, las exposiciones de museos y galenas perseguian un doble proposito: albergar una coleccion de piezas de arte y proporcionar elementos educativos a una poblacion cada vez mas instruida y autodidacta. La promesa de crecimiento personal era una parte central de su
atractivo y, como hoy en dia, permitian que gran numero de visitantes
adquiriesen un conocimiento mas amplio y complejo del mundo.

La primera galena de arte dedicada al publico en el Reino Unido fue la
Dulwich Picture Gallery, en el sureste de Londres; el edificio fue encargado por el francos Noel Desenfans y su amigo, el suizo Sir Francis Bourgeois. Estos dos tratantes de arte habian adquirido originalmente las pinturas de la Dulwich para el rey de Polonia, Stanislaus Augustus. Tras su abdicacion en 1795, el rey se las cedio junto con una sustancial coleccion de la que no quisieron desprenderse por completo. Se les ocurrio la idea de abrir una galena publica, con el apoyo de una anciana viuda. La galena se convirtio en un precedente - importante para los arquitectos y disehadores de espacios de exposicion, al
mostrar el aspecto que podna tener un edificio dedicado al arte. Es memorable por haber mostrado como era posible introducir la luz natural desde arriba en una epoca en la que, en la mayona de los edificios, las paredes en las que se colgaban los cuadros estaban traspasadas por ventanas.

Muchas instituciones comenzaron a adquirir piezas de arte a un ritmo sin
precedentes para satisfacer las apetencias del publico. Es dificil imaginarse el
impacto que debieron tener estas exhibiciones de arte y ciencia en los
visitantes, cuyas ocasiones de viajar eran limitadas y a quienes aquellas
muestras brindaban una vision fascinante de una amplia gama de temas.
Aparte de los problemas de transporte, habia pocas restricciones para el
traslado de objetos artisticos entre paises, y muchas obras de arte irreempla- zabtes fueron retiradas de sus enclaves historicos; entre ellas quiza el caso mas notorio sea el de las esculturas del Partenon de Atenas, ahora en el British Museum de Londres, Los responsables de los museos actuales deben contentarse con filmaciones y grabaciones de los productos culturales de otros paises, pero en el siglo xix los animales exoticos, las antiguedades y otros objetos de interes eran extraidos sin mas de sus ubicaciones originales.

Aunque las curiosidades importadas suscitaban fascinacion, con frecuencia estaban mal etiquetadas y se sabia poco de ellas. El personal de las galenas poseia nociones muy vagas de su funcion, importancia y atributos. El enfasis se ponia en la creacion de espectaculos destinados a provocar y sorprender. Muchos artefactos adquinan narrativas que, aunque interesantes, tenian poco o nada que ver con la verdad. La introduccion de practicas mas escrupulosas fue fomentada por cientificos como Charles Darwin y Linneo, el taxonomista sueco, a quienes preocupaba la clasificacion y ordenamiento exactos de los
fenomenos naturales. Su enfoque paso a ser el de los conservadores de los museos, cuyo celo por el etiquetado cuidadoso y la clasificacion escrupulosa contribuyeron de forma notable a las disciplinas cientificas emergentes.
 

En la misma epoca en que las naciones occidentales adquinan vastas
colecciones extranjeras, las exposiciones publicas empezaron a emplearse para promover y celebrar los crecientes logros industriales y tecnicos de esas mismas sociedades. La Gran Exposicion de Londres en 1851, albergada en el revolucionario Palacio de Cristal, fue un hito sustancial en la historia de las exposiciones y, por ello, en la historia intelectual de Europa. (La Gran Exposicion represento el inicio del movimiento World Expo, en la actualidad supervisado por la Oficina de Exposiciones Internacionales en Paris.)

El edificio del Palacio de Cristal, disenado por Joseph Paxton, es en si
mismo una maravilla de la ingenieria, construido en solo seis meses
empleando componentes modulares repetidos de cristal y acero, una obra que influyo profundamente en la arquitectura posterior.

El South Kensington Museum de Londres (mas tarde Victoria & Albert
Museum) fue construido con el dinero generado por la Gran Exposicion, con la intencion de mejorar los estandares de manufactura y artes aplicadas. Como muchos museos y galenas de ese periodo, el South Kensington no tenia fines recreativos, sino que fue creado como una fuente de informacion valiosa para disehadores, artesanos y fabricantes deseosos de mejorar sus productos.

Los pioneros de los museos y galenas afrontaron de diversas maneras los retos de la exposicion publica de sus piezas. En una era anterior a la electricidad y a la iluminacion de gas fiable, los disehadores se apoyaban en el uso inteligente de la luz natural en las galenas, usualmente desde arriba, para que pudiera aprovecharse el mayor espacio de paredes posible. A menudo se colocaban galenas bajo un tragaluz para maximizar el uso de la iluminacion natural, dejando un atrio central
que permitia el flujo de la luz hacia los niveles inferiores.

Las vitrinas con recios marcos de madera, que daban seguridad frente al
roboy los dahos, eran el elemento basico de la mayoria de las colecciones de los museos. Combinado con la escasa iluminacion, el cristal de estas cajas hacia que muchas exposiciones fueran dificiles de ver y creaba ademas una distancia psicologica entre el espectador y el objeto. Muchos conservadores se consideraban depositaries de importantes colecciones; responder a las necesidades del publico era mas una molestia que una obligacion, actitud que se reflejaba en la atmosfera apagada y en las barreras puestas entre el publico y
los artefactos. Las vitrinas estaban demasiado llenas para los estandares modernos, con cuadros colgados a cuatro o cinco niveles de la pared, y los mas altos inclinados para que el espectador alcanzara a verlos. Muchos museos se creian obligados a mostrar tantas piezas como pudieran amontonar en sus vitrinas; a menudo las exposiciones eran de una amplitud impresionante, pero muy dificiles de asimilar para el espectador corriente. Aspectos que ahora se consideran tan importantes como el control de latemperatura, la humedad relativa y la contaminacion ambiental no tenian relevancia.

Lo anterior no significa que las practicas modernas de exposicion sean
mejores en todos los aspectos. Gran numero de pinturas y esculturas se ven hoy en dia en entornos muy distintos a aquellos a los que estaban destinados. En las galenas de arte, el dispositive para colgar los cuadros era hasta hace poco el rail con ganchos y cordeles fijados en los cuadros enmarcados. 

Esto, nada acorde con el diseho moderno, ha desaparecido ya de muchas galenas. Historicamente, en las casas de los mecenas del arte los cuadros con marcos hondoseran un elemento constituyente de un esquema decorativo que a menudo incluia estucos elaborados, papel pintado, molduras y mobiliario prnamentado. Muchas de las pinturas religiosas que se encuentran en los museos de Occidente estaban originalmente en iglesias. El formato de algunas de ellas, por ejempio, los tnpticos, a menudo parece extrano en una galena moderna, porque queda literalmente fuera de lugar.

 

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Diseño de exposiciones
Philip Hughes
2010
Editorial Promopress
Barcelona España
ISBN-13:978-84-936508-6-5

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